Scene Deconstruction con Matthew Lewis

El restaurante tiene muchas áreas muy diferentes, y es allí donde el espectador se conecta con muchos de los personajes. Un objetivo clave era mostrar el lado humano del elenco y retratar sus vulnerabilidades.

La iluminación fue un desafío para Matthew, ya que las distintas áreas tenían niveles de luz muy diferentes, por lo que, durante los recorridos y ensayos, se dedicó mucho tiempo a conseguir la iluminación adecuada. Cambiar una luz en una parte de la toma podría haber tenido un efecto negativo en otra; del mismo modo, un poco de luz de fondo necesaria para un plano podría haber significado un desafío para otro plano. Para garantizar que los personajes principales se destacaran del fondo, se eligieron puntos de encuadre clave en toda la toma, y la iluminación se configuró con sutileza en torno a esos momentos.

Para crear una marcada distinción entre el frente y la parte trasera de la casa, Matthew usó paletas de colores bastante diferentes. Quería que el frente de la casa se sintiera cálido y evocador. Luego, quería lograr que parte de esa calidez se colara en la cocina, situada en la parte delantera de la casa. Eso se logró usando lámparas cálidas de tungsteno y aprovechando el brillo de las lámparas de calor que ya estaban en la cocina.

Para la cocina trasera, Matthew optó por un aspecto muy diferente, mucho más áspero y frío, con un toque de verde. Esto ayudó a que esta área se sintiera más incómoda, un lugar casi desagradable en comparación con el frente de la casa. Buena parte de este aspecto provenía de los tubos de luz fluorescente en el techo de la cocina de atrás.

Con el fin de controlar la luz en el restaurante, se utilizó una variedad de diferentes pantallas para las luces prácticas. Estas pantallas se usaron para controlar la difusión de la luz. En algunas áreas, se reemplazaron los artefactos de luz originales por artefactos más controlables, y se usaron atenuadores para muchas de las luces, de modo tal que se pudiera subir y bajar sutilmente la intensidad de la luz en distintas áreas durante la toma, según fuera necesario.

En todo el resto del lugar, Matthew comenta que agregaron alrededor de cuatro luces que no eran prácticas. Estas incluían una bola “jem” (luz redonda suave tipo linterna, similar a las esferas chinas) para iluminar la parte trasera exterior del restaurante, y un par de Fresnels de tungsteno para sumar algo de textura a través de las ventanas.

“Es sorprendente cuando te sales con la tuya moviendo muy ligeramente un bombillo colgante”, comenta Matthew. “De repente, le das forma y luz al rostro de alguien”.

“Encontré un cuadro que solo podía lograr en un punto del guion, esta maravillosa toma de dos desde atrás de los actores, que siempre quise hacer, y fue increíble que pudiéramos poner esto allí, cuando ella dice que el chef Alastair Skye está por llegar, y observas el restaurante, y se ve agobiante”.

En esta toma, la posición de los actores debía ser perfecta, ya que, de lo contrario, el encuadre no funcionaría. La cámara está detrás de la barra, mirando hacia el restaurante. Luego, la cámara rápidamente sigue a Carly mientras se mueve desde la cocina del frente hacia la cocina de atrás, lo que genera mucha energía e impulso. Aquí, descubre que otro miembro del personal (Jake) no está lavando los platos como debería.

Agregar algo de acción extra le permitió a Matthew mover la cámara de un punto clave a otro, lo que ayudó a unir perfectamente diferentes partes de la trama principal. En este caso, la cámara ahora sigue a Jake fuera de la cocina trasera hasta la cocina del frente, donde lo vemos recogiendo los platos. Mientras la cámara sigue a Jake, Matthew mueve la cámara desde detrás de la barra hacia el frente de esta y, luego, recorre la barra hasta llegar a la parte inversa de la toma previa de dos por encima del hombro. La toma se siente espontánea, pero, en realidad, fue cuidadosamente planificada y coreografiada.

Para Matthew, esta parte de la película fue especialmente desafiante. La cámara debía poder ver a todo el personal y, además, enfocar a Andy, el jefe de cocina, claramente en pánico por toda la situación. Ubicar la cámara cerca de Andy ayuda a que el público vea y entienda qué está sucediendo desde el punto de vista de Andy. Para realzar la tensión, Matthew filmó esta escena con un poco más de libertad, a veces con la cámara en un plano holandés inclinado.

Finalmente, descubrimos que Camile, miembro del personal, ha puesto aceite de nuez en un aderezo y, en este punto, Matthew mueve la cámara hacia ella para revelar más del personal que se encuentra en la habitación cuando su mundo se viene abajo. El movimiento de la cámara genera una sensación de desesperación.

En otra parte de esta escena, hay una pelea y, para que el público se meta en la toma, Matthew agrega mucho movimiento adicional de la cámara a fin de dar la sensación de estar participando en la pelea.

Para el monitoreo, Matthew colocó dos pequeños monitores instalados en ángulos de 45 grados en el cabezal de cámara, separado mediante el sistema de extensión VENICE, de modo tal que pudo trabajar con la cámara ligeramente inclinada hacia un lado o hacia el otro, lo que otorgó mucha más flexibilidad para los diferentes planos y encuadres.

En la parte de esta escena fuera del frente del restaurante, había muchas guirnaldas de luces, pero Matthew también agregó una lámpara 5K para generar un poco de relleno solo donde fuera necesario. Esto, junto con los flashes azules provenientes de las luces de la ambulancia, funcionaron realmente bien.

Matthew también siente que haber podido filmar usando el valor ISO base más alto de 2500 de la cámara VENICE fue esencial para la toma.

“Si nuestra base hubiera sido 800 ISO, todo habría sido muy difícil”, señala Michael. “Es increíble la poca luz que emiten los bombillos (prácticos). Con una cámara de cine, normalmente necesitas más que solo luces prácticas, pero pudimos lograrlo porque teníamos un sensor sensible que pudo manejar la situación”.