Foire aux questions sur la production virtuelle

La production virtuelle est un terme générique qui englobe une variété de concepts. Mais, plus précisément, ce qu’on désigne par « production virtuelle » est un décor ou un emplacement virtuel affiché sur un volume de panneaux LED qui forment ensemble un grand écran. Combinées au suivi de caméra, ces images offrent une toute nouvelle expérience de production qui peut être plus efficace sur le plan créatif et financier.

Il n’est pas du tout nécessaire d’emmener l’ensemble des acteurs et de l’équipe technique dans un emplacement lointain et il n’y a aucun problème lié aux autorisations, au contrôle de la foule, aux lois locales, à l’incidence environnementale, etc. Avec la production virtuelle, c’est l’emplacement désiré qui vient à vous. Les autres avantages comprennent un contrôle total de l’environnement, notamment la météo et l’heure du jour. Avec la production virtuelle, vous pouvez passer toute la journée à filmer un coucher de soleil, alors qu’auparavant vous deviez étaler le tournage sur plusieurs jours.

Le problème avec le fond vert est que les acteurs ne peuvent pas voir ce avec quoi ils interagissent. Avec la production virtuelle, les acteurs peuvent voir directement l’environnement dans lequel ils évoluent, ce qui améliore leurs performances. Et il n’y a pas que les acteurs : toute l’équipe technique peut voir à quoi ressemblera la prise de vue, des directeurs de la photographie, qui peuvent cadrer et éclairer la scène comme ils le souhaitent, aux coiffeurs et maquilleurs, qui voient le résultat final de leur travail de manière instantanée et immédiate. Chacun en profite.

L’autre avantage de la production virtuelle est le contrôle de l’éclairage : l’écran n’est pas simplement une image à voir, c’est également une source de lumière. Les reflets du décor virtuel sur les surfaces et les objets du premier plan s’ajoutent instantanément à la réalité au lieu d’être ajoutés (ou supprimés) en post-production.

Par ailleurs, des problèmes habituels liés aux petits détails devant le fond vert/bleu, tels que les cheveux, les articles transparents ou la fumée, sont éliminés, puisqu’il n’est plus nécessaire d’effectuer de détourage autour de ces éléments. Le mélange est parfait car, d’une certaine manière, l’arrière-plan est réellement présent pour la caméra.

D’un point de vue technique, les principaux éléments sont la caméra, le dispositif de suivi de la caméra, un écran LED et un moteur de jeu (généralement Unreal) qui sert à manipuler le contenu. Le contrôle de l’éclairage DMX prend également de plus en plus d’importance et peut être piloté directement par Unreal Engine. Il existe de nombreuses autres pièces mobiles, mais il s’agit là des plus importantes.

La production virtuelle a entraîné la création de tout nouveaux départements : des départements artistiques virtuels, des équipes responsables des contenus, ainsi que des équipes dédiées au volume, comme l’équipe de suivi et l’équipe Unreal. En règle générale, la production met davantage l’accent sur la prévisualisation que sur la post-production. Les nouveaux changements au niveau du flux de travail concerneraient les couleurs et les effets d’incrustation, la capture de mouvement et les modifications au montage réintégrées sur l’écran après le visionnement des épreuves, entre autres. Les métadonnées jouent un rôle encore plus important, car les données gyroscopiques et les renseignements précis du capteur sont essentiels pour garantir que les caractéristiques de distorsion et de profondeur de champ soient reproduites.

Le choix d’objectif est un peu plus restrictif : vous ne pouvez utiliser que certaines distances focales et vous devez être très sélectif en matière de distance par rapport à l’écran et au sujet, afin d’éviter les problèmes de moiré et d’aliasing. Vous devez gérer soigneusement votre profondeur de champ : une profondeur trop faible entraînerait un décrochage de la mise au point à l’écran, ce qui vous empêcherait de voir le rendu de la profondeur dans le décor 3D virtuel. Cela fait apparaître l’arrière-plan comme une seule surface plane, au lieu d’un écran doté de profondeur. Les cadences sont plus limitées, pas seulement en raison de la puissance de traitement requise pour exécuter le moteur de jeu à des fréquences élevées, mais également en raison des fréquences de rafraîchissement des panneaux LED.

Les principaux facteurs à prendre en compte lors du choix de l’écran sont la distance séparant les émetteurs LED (connue sous le nom d’« espacement des pixels »), le gamut de couleur, la fréquence de rafraîchissement, la luminosité, le contraste et la réflexivité. Les écrans à faible contraste rendent très difficile toute correspondance entre les points noirs/blancs du premier plan et de l’arrière-plan. Les écrans à faible luminosité ne peuvent pas reproduire adéquatement les sources de lumière intégrées ou réelles, et les écrans très réfléchissants sont problématiques parce que l’éclairage du premier plan a tendance à délaver les noirs de l’arrière-plan. De plus, si vous tournez en High Frame Rate (HFR), des écrans brillants sont essentiels pour fournir suffisamment de lumière.

L’espacement des pixels désigne la distance entre les LED individuelles. Plus l’espacement des pixels est réduit, plus l’écran aura une résolution élevée, mais plus cela nécessitera aussi de puissance de rendu. La distance par rapport à l’écran joue un rôle crucial : pour une distance rapprochée (que ce soit pour les gros plans ou l’utilisation de petits écrans), un espacement réduit des pixels est nécessaire, car les LED individuelles peuvent être vues en cas d’espacement important.

Non. Bien que de nombreux studios de production disposent d’un très grand écran conçu pour recouvrir entièrement l’arrière-plan d’une scène, les écrans de plus petites dimensions ont également un rôle à jouer. Pour les prises de vue de produits ou pour les projets plus intimistes, un volume de plus petite taille peut être utilisé. Les petits écrans peuvent être utilisés pour remplir de petites parties d’une scène. Par exemple, pour créer une vue à travers une fenêtre. Un petit écran avec un espacement réduit des pixels vous permet de vous rapprocher davantage de l’écran, sans effets négatifs comme le moiré et l’aliasing.

Les écrans incurvés nécessitent moins d’espace en studio que les écrans plats. En règle générale, un écran incurvé nécessite moins d’espace au sol pour offrir les mêmes champs de vision qu’un écran plat. Par conséquent, pour des prises de vue identiques ou similaires, une installation avec écran incurvé sera plus compacte qu’une installation avec écran plat. De plus, la construction modulaire de pratiquement tous les systèmes d’écrans actuels permet de les configurer en disposition incurvée ou plate, et le coût reste le même dans les deux cas. L’immersion est souvent supérieure avec un écran incurvé, car les lignes droites enveloppent la scène d’une manière plus proche de notre perception réelle, tout en offrant de meilleurs angles de vue pour les caméras.

Un écran de plafond est généralement utilisé uniquement pour la lumière et les reflets, il est rarement filmé directement. Pour cette raison, on utilise souvent un espacement de pixels plus large, avec des LED généralement plus lumineuses. Cependant, l’importance d’un écran au plafond ne doit pas être sous-estimée, car la lumière et les images qu’il projette sur le premier plan peuvent constituer une partie essentielle de la composition globale.

En complément ou en alternative à un écran de plafond, il est souvent possible de contrôler les lumières du premier plan depuis la ferme de rendu informatique ou Unreal Engine. Cela vous permet d’inclure des effets d’éclairage au premier plan, tels que le feu, les rayons du soleil traversant les arbres ou les bâtiments, l’éclair, etc., afin de favoriser l’intégration du premier plan avec l’arrière-plan virtuel.

Vous aurez souvent besoin d’un décor au premier plan, quel qu’il soit. Le décor du premier plan pourrait être très simple, se limitant parfois à quelques accessoires, ou au contraire représenter l’intégralité d’une pièce ou d’une structure. Un décor au premier plan offre aux acteurs un espace tridimensionnel dans lequel ils peuvent évoluer, ainsi que des objets avec lesquels ils peuvent interagir. Les objets au premier plan ajoutent de la profondeur, confèrant plus de réalisme à la scène. Selon ce que vous filmez, vous pourriez avoir besoin d’objets au premier plan afin de dissimuler la jointure entre le plancher et l’écran.

Oui, vous pourriez. La possibilité de déplacer la caméra et de faire bouger l’arrière-plan de manière synchronisée avec les mouvements de votre caméra est l’un des aspects qui distinguent vraiment la production virtuelle des plates préfilmées. Vous pouvez utiliser un dolly, des rails, une flèche, etc., exactement comme lors d’un tournage classique, à condition de ne pas effectuer de panoramique horizontal ou vertical au-delà des bords de l’écran.

Le suivi est extrêmement important. Pour que la caméra interagisse avec le monde virtuel, vous devez alimenter le moteur de jeu ou le logiciel de lecture avec des données précises sur la position de la caméra. Il existe deux types de suivi : de l’intérieur vers l’extérieur, et de l’extérieur vers l’intérieur. Le modèle « de l’intérieur vers l’extérieur » utilise une caméra de suivi placée (généralement) au-dessus de votre caméra de tournage qui recherche des caractéristiques clés ou des points de données afin de fournir des coordonnées de positionnement. Le modèle « de l’extérieur vers l’intérieur » utilise des caméras disposées autour du plateau et orientées vers la caméra de tournage, laquelle est équipée d’un nœud de suivi sur sa partie supérieure. Il existe une variété de méthodes, allant du suivi par infrarouge ou par points de références au suivi des caractéristiques visuelles.

La caméra doit être synchronisée avec l’écran pour éviter des problèmes tels que les bandes sombres ou claires défilantes, ou encore le scintillement; cela est normalement réalisé par le biais de la fonction Genlock. En outre, il est normalement bénéfique d’utiliser une caméra dotée d’une vitesse rapide de lecture du capteur afin de minimiser les problèmes de déformation.

La xR (réalité étendue) est un mélange de réel et de virtuel, le plus souvent réalisé par l’intermédiaire de l’extension de décor. Le plus souvent, on la voit à l’œuvre dans le secteur de la diffusion en direct, comme les actualités ou le sport. Le présentateur se trouve devant un écran de taille réduite et, grâce à l’extension de décor et à la réalité mixte ou augmentée, il semble évoluer dans un espace beaucoup plus vaste, interagissant souvent avec l’écran qui affiche des graphiques, etc.

Ces deux termes sont souvent confondus : tandis que la production virtuelle consiste strictement à utiliser un environnement virtuel généré par un ordinateur de jeu ou un moteur de jeu affiché sur le mur LED, l’utilisation de plates d’arrière-plan préfilmées et projetées sur le mur LED est une alternative moderne à la projection de fond traditionnelle. En règle générale, cela ne nécessite pas de suivi de caméra, mais permet tout de même aux acteurs et à l’équipe technique de voir l’environnement, tout en offrant une luminosité et un contraste plus proches de la réalité. Les scènes de conduite constituent l’une des applications courantes de cette méthode.

La plus grande valeur de la production virtuelle réside dans le fait de ramener ce qui n’est habituellement visible que lors de la phase de post-production directement dans la phase de pré-production et de production. Vous pouvez imaginer n’importe quel endroit, contrôler l’heure du jour, les saisons et la météo, afficher immédiatement du contenu CG, et bien plus encore. De la planification des scènes aux performances des acteurs, en passant par le contrôle créatif, cette technologie créative et immersive bénéficie à tous les aspects de la production.