Meilleures astuces pour le tournage de clips musicaux
Laurence Warder, responsable de la production vidéo chez Sony Music, partage ses conseils d’expert pour les jeunes cinéastes.
Célèbre cinéaste et vidéaste, Laurence Warder est responsable de la production chez Sony Music. Basé à Londres, il a réalisé des centaines de clips promotionnels pour des artistes de renom comme Olly Murs et Kasabian, mais aussi pour de nouveaux groupes prometteurs. Selon les propres termes de Laurence, voici ses meilleures astuces pour prendre vos marques dans l’industrie et tourner des clips musicaux plus séduisants.
Meilleures astuces de Laurence
La musique a toujours été une passion pour moi, aussi longtemps que je m’en souvienne. J’étais un amateur de concerts passionné, et le suis encore. Puis quand j’étais moi-même dans des groupes, je tournais nos propres vidéos avec n’importe quel vieux caméscope emprunté qui me tombait entre les mains. Je lançais l’enregistrement et j’espérais que le résultat soit bon : on tournait en plein jour sans se soucier de la qualité de l’éclairage. Mais rapidement, cela m’a donné le sentiment qu’en tant qu’interprète on pouvait avoir un contrôle précis sur la façon de présenter sa propre image. Voici quelques-unes des leçons que j’ai tirées tout au long de ces expériences.
Bande-annonce interactive pour l’album « 24 hours » de Olly Murs.
Penser comme un artiste
Je suis à la fois peintre et cinéaste : mes images ont toujours une dimension narrative. Quand j’étais au collège d’art (Central Saint Martins), mon tuteur m’a encouragé à explorer la vidéo, et j’ai expérimenté en découpant des trucs que j’avais filmés. Cela m’a vraiment permis de comprendre comment raconter une histoire visuellement.
Être prêt à débuter au bas de l’échelle
Après le collège, j’étais déterminé à me lancer dans l’industrie cinématographique, et j’ai obtenu le premier emploi classique d’assistant de production à Londres, ne gagnant quasiment rien. Après, je suis entré chez un petit label de DVD, où j’aidais à faire les bandes-annonces promotionnelles. Le label a été racheté par une société spécialisée dans les événements en direct, qui m’a introduit dans le milieu de la musique. Cela m’a mis en contact avec des réalisateurs de renom; j’ai adoré ça et m’y suis totalement immergé. Je suis monté en grade, devenant producteur associé, et bientôt je travaillais à la pige sur des émissions de musique télévisées. Cela m’a appris beaucoup sur le plan commercial de la production, comme les équipes et les budgets.
Comprendre les possibilités de votre caméra
Quand j’ai commencé à faire de la réalisation vers 2012, je tournais tout sur reflex mono-objectif numérique. Aujourd’hui, je travaille avec de plus gros budgets, ce qui signifie que je peux utiliser de meilleures caméras! J’utilise régulièrement des conditions de faible luminosité; j’apprécie particulièrement cette ambiance maussade. Et c’est pourquoi j’aime utiliser maintenant des caméras professionnelles, comme la FS7 Sony. Elles capturent beaucoup plus d’informations qu’un reflex mono-objectif numérique, ce qui est important quand vous êtes dans une boîte de nuit ou une salle de concert sombre. Vous bénéficiez également d’une gamme de couleurs plus étendue qu’avec un reflex mono-objectif numérique.
Lumière et ombre – tournage du duo britannique Little Hours avec la Sony PXW-FS7
Apprendre à travailler en équipe
Maintenant que je travaille avec une plus grosse équipe – plutôt qu’en solo – j’ai dû apprendre à lâcher prise et à déléguer un certain nombre de décisions créatives ou techniques importantes à d’autres personnes. En tant que réalisateur, je ne manipule plus tellement mes caméras moi-même maintenant. Cela a pour avantage de pouvoir se concentrer sur l’artiste et sa performance, plutôt que de se soucier des trucs techniques.
Etre réalisateur, pas seulement caméraman
Je n’ai pas peur d’être franc avec les artistes : et en fait, je remarque que la plupart d’entre eux aiment être dirigés. Cela peut simplement s’agir de dire à l’artiste interprète d’ouvrir les yeux, plutôt que de les garder fermés. Il y a certaines remarques qui peuvent servir à l’artiste pour le reste de sa carrière.
L’intention artistique – promo de Rag’n’Bone Man, gagnant des Brit Awards 2017, tournée avec des caméras Super 35 mm PXW-FS5 et PXW-FS7.
Penser vite : travailler sous pression
Sur un tournage vidéo, on est confrontés à des conditions difficiles, avec d’importantes contraintes de temps. Un groupe peut avoir cinq morceaux à filmer en huit heures, alors il faut travailler vite et prendre des décisions rapidement. On n’a pas souvent la possibilité de refaire une scène indéfiniment et, de toute façon, je n’aime pas vraiment faire plus de trois ou quatre prises de l’artiste sur la même chanson.
Musique et mouvement : capter l’énergie de l’artiste
J’ai toujours l’impression que la caméra doit se déplacer avec la musique, c’est pourquoi j’ai testé une grande variété d’équipements tels que des chariots, des Steadicams et des grues spéciales. Cela dit, je ne suis pas un adepte des mouvements de caméra super fluides. J’aime que le public sente qu’il y a un être humain derrière la caméra.
Sur les rails : tournage pour l’artiste Tom Walker
C’est l’idée qui compte, pas le matériel
L’industrie a énormément changé depuis mes débuts. De nos jours, tout le monde sort son téléphone intelligent lors d’un concert. Je n’ai rien contre cette démarche, j’ai déjà vu de très bonnes séquences tournées avec des téléphones portables. Mais, au bout du compte, c’est l’idée qui importe, pas l’appareil que vous utilisez.
N’ayez pas peur d’explorer toutes les possibilités
Chez Sony Music, nous nous occupons d’une grande variété d’artistes représentant des genres différents. Il peut s’agir d’un groupe pop un jour et métal le lendemain. C’est très bien, car ça signifie que je dois continuer à explorer de nouveaux domaines. Même quand je filme quelque chose d’assez stéréotypé comme un concert, je cherche toujours de nouvelles façons de rafraîchir les choses. Cela peut être simplement d’utiliser un filtre, ou peut-être quelques séquences « jetables » quand la caméra cherche la mise au point. La technologie moderne est géniale aussi. Si vous filmez en 4K, vous pouvez couper quelques prises différentes de la même scène. Cela peut être pratique lors de concerts lorsque vous n’avez pas autant de caméras que vous le souhaiteriez.
Ne jamais cesser d’apprendre
Que dirais-je à quelqu’un qui débute aujourd’hui? Passez du temps à étudier les bases : l’exposition, la mise au point, les objectifs et l’éclairage. Il est capital de comprendre les options que vous avez à disposition. Je n’ai jamais cessé d’apprendre : ce que j’aime vraiment, c’est découvrir les nouvelles techniques et des idées neuves. Et surtout, soyez actif et allez sur place. Allez aux concerts. Parlez à des gens créatifs. Absorbez les idées!
Concert du groupe de rock américain Cage the Elephant
